Teatro

Luis Sorolla, autor de la versión, y David Boceta, director, han creado un montaje «transhistórico» que reúne signos de la Roma imperial, el verso de Calderón, proclamas del auge del fascismo, armas de fuego o música rock

Un drama entre lo histórico y legendario es el nuevo estreno de la Compañía Nacional de Teatro Clásico que tiene como protagonista a una mujer que llegó a gobernar un imperio en la Antigüedad y se enfrentó a Roma. La gran Cenobia, de Calderón de la Barca, llega este 13 de enero a la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia. Sobre el personaje histórico de Cenobia, que llegó a ser reina de Palmira (Siria) en el siglo III d. C. hasta su derrota por el emperador romano Aureliano, hay toda una leyenda que el paso de los siglos ha engrandecido. David Boceta, director del montaje, afirma que «el personaje de Calderón no se corresponde con el histórico, tampoco el romano, ni siquiera el nuestro al construir esta obra, es un personaje que fue histórico y que empezó a ser ficción desde el mismo momento que empezó a construir su propia leyenda».

La historia de la lucha de Cenobia contra la imbatible Roma sirve en esta puesta en escena para transmitir el mensaje de que los vencedores imponen la narración de la historia a la posteridad. Así lo asegura Luis Sorolla, autor de la versión del clásico de Calderón de la Barca. “Toda lucha de poder se ve acompañada, tal y como nos muestra Calderón, de una lucha por controlar el relato: controlar la narrativa, justificar cada cual con su verdad los actos que se cometen y vencer no solo en el campo de batalla, sino también en el registro que quede en la Historia”.

La intemporalidad de la temática y el personaje central motiva que la puesta en escena se caracterice por ser «transhistórica» con soportes y anclajes en distintas épocas. David Boceta cuenta que «el equipo ha ido trabajando en una estética en la que encajen signos de la Roma imperial, el verso de Calderón, proclamas políticas del auge del fascismo en Europa, discursos de odio (de hoy, ayer y siempre), armas de fuego y música rock de una manera lo más orgánica posible».

Isabel Rodes afronta el reto de interpretar a Cenobia, “una mujer con un marcado carácter bélico que sabe que está dotada para la lucha y para el gobierno. Lucha con garras y dientes, no solo en el campo de batalla, sino también para defender su posición de liderazgo en un mundo de hombres que no respetan su posición por el hecho de ser mujer”.

Los antagonistas masculinos del montaje son Aureliano y Decio. Aureliano es un personaje cegado por la obsesión de poder. Le da vida sobre las tablas José Juan Rodríguez quien explica que “su inconsciencia junto con su ambición son absolutas. Hay muy pocos cosas, por no decir nada, que él pueda respetar. Y si lo hace en un momento es por necesidad propia y momentánea, sin ningún valor moral o ético que permita la convivencia”. Decio se muestra más honorable aceptando los cambios en la rueda de la fortuna y mostrando admiración y amor por Cenobia. Sin embargo, no nos dejemos engañar porque, como aclara el intérprete Mikel Arostegui, tampoco él se salva en el montaje calderoriano. “Dejarse llevar por sus sentimientos en un mundo creado por y para hombres, donde sentir es de débiles, le aboca a la humillación y ostracismo. Determinado luchará sin descanso por restituir su vida, su honor, su derecho a estar en el mundo. Pero también habrá de probarse en el privilegio del poder. Entonces le tocará a él decidir si convertirse en un tirano y ser un eslabón más del mundo que vino a romper, o quizá hacer algo nuevo”.

Completan el resto del reparto Cristina Arias, Mariano Estudillo, Marta Guerras, Alejandro Pau, Víctor Sáinz, Irene Serrano y José Luis Verguizas. Ellos dan voz a los personajes de este montaje. El equipo artístico está formado por Almudena Bautista (escenografía), Víctor Longás (iluminación), Paola de Diego (vestuario), Edu Cárcamo (coreografía), Antonio de Cos (dirección musical, música original y espacio sonoro), Álvaro Luna (videoescena) y Alejandro Saá (asesor de verso).

La gran Cenobia, una producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico patrocinada por Loterías y Apuestas del Estado, se representa en la Sala Tirso de Molina del Teatro de la Comedia desde el 13 de enero al 6 de marzo.

Plató Principal estrena una obra de teatro en streaming donde cada espectador elige el personaje protagonista.

Se trata de la primera experiencia con un formato de e-escena de Plató Principal, un proyecto que busca experimentar con lenguajes más tecnológicos y que bebe del mundo de los videojuegos.

Plató Principal, un proyecto del productor cántabro Edy Asenjo, presenta el próximo 27 de marzo a las 20:00h en un novedoso formato de teatro en streaming a través de www.platóprincipal.com , El Padre, una adaptación teatral de la obra del sueco August Strindberg. En ella, gracias a la tecnología, el espectador puede cambiar de punto de vista y de personaje en cualquier momento de la obra. Se trata de la primera experiencia de e-escena de Plató Principal, en la que Edy Asenjo, director y productor de la obra, busca experimentar con lenguajes más tecnológicos, que “beben del mundo de los videojuegos y permiten al espectador experimentar con intensidad las emociones de los personajes desde otras perspectivas”.

En palabras de Asenjo, “las mejores historias, las experiencias emocionales universales y más intensas están escritas para escena. No tiene sentido pensar que adaptarlas a la actualidad sea simplemente vestir a los personajes en vaqueros. Hay que adaptar el teatro a la actualidad del espectador, y esa actualidad es tecnológica”.

En la obra, la compañía que ya ha realizado 50 funciones de este montaje en su formato tradicional, retrata la confrontación entre un matrimonio para decidir cuál será el futuro de su única hija: estudiar y ser una mujer autosuficiente o no hacerlo y ser una buena esposa.

Retransmisión vía streaming

A través de una retransmisión vía streaming, el espectador tiene la posibilidad de elegir disfrutar de la obra desde la perspectiva de cualquier personaje, pudiendo incluso cambiar de uno a otro en cualquier momento. También puede seguir la acción desde cualquiera de las seis cámaras robotizadas integradas en la decoración de la escena. Lo que el espectador percibe desde su pantalla es una imagen genuinamente cinematográfica.

Las cámaras, que son las mismas que se utilizan en las canastas de los partidos de la NBA para potenciar la emoción de quienes siguen el partido por televisión, permiten al espectador moverse por el espacio teatral con la misma libertad que si se encontrara dentro de la escena, sin ángulos muertos. En palabras del director y productor de la obra, “se trata de un montaje que pretende superar los retos técnicos que implica hacer algo que nadie ha hecho nunca antes y hacerlo en directo”.

El planteamiento escenográfico cuenta con un vestuario tecnológico con un peso total de 2 kg entre cables, micrófonos y cámaras ocultas bajo la ropa de época de los artistas. “El peso, la autonomía, la ergonomía y la integración de los equipos sin cables que cada actor lleva en su cuerpo ha supuesto un desafío porque deben ser invisibles para el espectador. Las primeras pruebas se realizaron con cámaras de policía que, sin embargo, resultaron no ofrecer la calidad de imagen que el proyecto artístico requería”, asegura Asenjo.

El elenco de actores está compuesto por Tobías Lobera, Arancha de Miguens, Paz González, Juan José Paredes y Luis Azcona, que dan vida a los protagonistas del drama del autor sueco, también conocido por ser el creador del teatro de la crueldad.

Apoyo del Ministerio de Cultura

El nuevo formato escénico es el resultado de un año de trabajo y de una inversión aproximada de 35.000€, que permite la conexión online simultánea de hasta 500 espectadores. El proyecto ha recibido el apoyo del Ministerio de Cultura, quien, a través de la Dirección General de Industrias Culturales y sus ayudas a la creación escénica, lo ha financiado como parte de su apuesta por el desarrollo de nuevos lenguajes híbridos entre las artes escénicas y las nuevas tecnologías. La producción es uno de los 80 proyectos de innovación seleccionados, de entre los cerca de 1.000 presentados a esta convocatoria, para incentivar la modernización de las industrias culturales.

Asenjo, asegura que “las empresas de todo el mundo están realizando un esfuerzo enorme y acelerado de innovación a través de la tecnología y las empresas culturales también pueden hacerlo. La transformación tecnológica de la empresa cultural comienza por un cambio de mentalidad: hay que entender la tecnología como un aliado de las artes escénicas y no como competencia”.

El director y productor, ganador de un MAX como actor en 2007, asegura que, “cuando se habla de crear nuevos públicos, se busca siempre afiliar al público infantil al teatro, pero es un hecho que una vez llegada la adolescencia estos espectadores se decantan por lenguajes más tecnológicos, como los videojuegos, que les permiten experimentar con intensidad las emociones de los personajes simplemente porque el teatro no pelea esta batalla con todas sus armas”. En este sentido, Edy Asenjo, no es nuevo experimentando con la hibridación entre los planteamientos escénicos y la tecnología. En 2015 estrenó la primera edición de ‘Ciudad en la Sangre’, un espectáculo de calle en el que los espectadores interactuaban en distintos momentos de la obra con los propios artistas y con el resto del público a través de una app instalada en su móvil. Durante la pandemia, en medio de las dificultades para continuar la actividad, estrenó www.callesmalditas.com, un proyecto teatral en el que conviven actores de carne y hueso y criaturas generadas mediante realidad aumentada.